De The Beatles a The Velvet Underground: Cinco discos que explican por qué 1967 es el año del rock
Te invitamos a revisar una selección de algunos álbumes que salieron a la luz hace 50 años, cuyas letras y melodías recogieron la efervescencia social, política y cultural de la época.
25 de Julio de 2017 | 07:24 | Alondra Barrios Peñailillo, Emol
The Beatles llevaron la bandera de la psicodelia con el álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.
Archivo El Mercurio
SANTIAGO.- Pensar en 1967 es pensar en una era de convulsión social, política y cultural. En plena Guerra de Vietnam los hippies se impusieron como una contracultura que versaba mensajes de paz, amor y liberación sexual contra el sistema establecido. La marihuana y el ácido se masificaron convirtiéndose en las drogas recurrentes de jóvenes, artistas, músicos e intelectuales, que las tomaban como materia prima para sus creaciones.
"El Verano del amor", en San Francisco, fue un encuentro que durante ese año conjugó bien todos estos aspectos, los que fueron recogidos por músicos —en su mayoría estadounidenses—, y que plasmaron en sus melodías y letras, acción que ocurrió de manera simultánea en Reino Unido.
"1967 es el año donde la música articuló una realidad, tanto en Estados Unidos como en Gran Bretaña"
Alfredo Lewin
Mientras Jim Morrison se impulsaba como el sex symbol contestatario de California y Lou Reed escupía en sus letras el mundo más oscuro que adornaba las calles de Nueva York, al otro lado del Atlántico The Beatles colgaban sus impecables trajes para sumergirse de lleno en un mundo psicodélico, en tanto que Pink Floyd conquistaban el underground londinense con ambiciosas puestas en escena cargadas de proyecciones, luces y eternos viajes sonoros.
"1967 es el año donde la música articuló una realidad, tanto en Estados Unidos como en Gran Bretaña", señala Alfredo Lewin, hombre ancla de radio Sonar y de la revista Rockaxis. "Fue el año en que nació un tipo de prensa especializada con la revista Rolling Stone, que empezó a hacer periodismo de música, relacionando la identidad de los artistas y la música que estaban produciendo, con el contexto social y político que estaban viviendo", suma.
David Fricke, legendario periodista de la edición estadounidense de la popular publicación nacida en San Francisco, es otro de los expertos que entiende bien por qué 1967 es un año crucial para el rock.
A cinco décadas de esta gran explosión musical, Fricke compartirá su punto de vista en una charla única que llevará por nombre "1967: A 50 años de la revolución del rock", y que se realizará el próximo 3 de agosto a las 20:00 horas en Teatro iF (Av. Italia 850, Santiago).
Por mientras, te dejamos una revisión de cinco discos que marcaron ese año en voz de tres expertos y te invitamos a comentar qué álbumes son claves para entender esta prolífica etapa musical.
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band - The Beatles
El octavo trabajo de estudio de la banda de Liverpool es, por excelencia, el disco icónico del rock psicodélico que surgió con fuerza en 1967. Grabado un año antes en los estudios Abbey Road, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band se perfila como el trabajo donde John Lennon y compañía se sumergieron en sonidos que se alejaron de sus composiciones previas. Los efectos sinfónicos se presentan de manera recurrente, así como la influencia de la India con la cítara a cargo de George Harrison.
"The Beatles se despegó de la realidad y se fueron en un viaje experimental. Este disco se gestó en 1966 y al año siguiente fue la explosión de todo. 'Lucy In The Sky With Diamonds' tiene dos lecturas. Lennon dijo que había sido por un dibujo que hizo su hijo Julian sobre una amiga, pero también se dice que la canción es por el ácido, el LSD", dice Rodrigo Ulloa, director de comunicaciones de iF Chile y periodista de música, quien también destaca el tema "A Day In The Life" como "todo un experimento en estudio con un final que se escucha como una cinta puesta al revés".
Por su parte, Juan Carlos "Lobo" Araneda, productor general de radio Futuro, agrega que "gracias a este disco The Beatles logró expandir la psicodelia a las masas".
Lewin suma que el trabajo de los ingleses fue una "búsqueda sonora bastante más barroca, artística y pop que todo lo que habían hecho antes. Más que los Beatles buscando la psicodelia, yo diría que la psicodelia los encontró a ellos".
The Piper And The Gates Of Dawn - Pink Floyd
Es el disco debut de Pink Floyd con Syd Barrett a la cabeza del grupo. El álbum destaca por su canciones de espíritu lisérgico, viajes psicodélicos con eternos efectos sonoros a cargo de las guitarras y letras sobre el cosmos, bicicletas y gnomos, los que, además, se hicieron populares en el mítico UFO Club londinense donde tocaban de manera recurrente.
"Es un disco súper emblemático para quienes escuchan rock progresivo. Desde mi punto de vista, sin ser una banda como The Beatles en esa época, dejó a todos marcando ocupado. Tiene temas maravillosos y llenos de locura cósmica, como 'Astronomy Domine', argumenta "Lobo" Araneda.
Alfredo Lewin comparte la misma visión y suma que con esta canción, "la gente podía acceder a un trip psicodélico sin drogarse. Eventualmente, si te concentrabas mucho en Pink Floyd, ibas a adquirir esa experiencia, por eso me quedo con esa canción".
En tanto que para Rodrigo Ulloa, la importancia de este disco recae, además, en las actuaciones que Pink Floyd realizaba cuando lo tocaba en vivo. "Habían luces, prismas, colores, consumo de droga, toda una puesta que llevaron un paso más allá a la psicodelia" y agrega que "guarda el legado muy breve de Syd Barrett. Es el disco por definición con él, en todo su talento, antes de perderse en las drogas".
Además de "Astronomy Domine", destacan "Intersterllar Overdrive", "Lucifer Sam" y "Bike".
Are You Experienced - The Jimi Hendrix Experience
Jimi Hendrix, Noel Redding y Mitch Mitchell definieron el concepto de "power trío" sólo con una guitarra, bajo y batería.
Hendrix dejó su natal Seattle para radicarse en Londres, impulsado por el bajista de The Animals, Chas Chandler, que vio en él el potencial para desarrollar una carrera musical exitosa en la capital inglesa, donde se abrió paso entre sus pares, convirtiéndose así en uno de los guitarristas más importantes de todos los tiempos pasando del blues al rock psicodélico.
La maestría de Jimi Hendrix con las seis cuerdas quedó registrada en sencillos como "Hey Joe", "Purple Haze" y "Foxy Lady", y llegó a ganarse la admiración de gigantes como Paul McCartney y Eric Clapton.
"Muta del rhythm & blues al rock más experimental con la forma particular de él de tocar la guitarra al ser zurdo", apunta Ulloa. "Hendrix fue totalmente revolucionario no sólo con su sonido, sino que también por su ropa y puesta en escena con su trío. Recuerdo la historia de Clapton viéndolo tocar decir que se iba a retirar. Se deprimió porque pensó que nunca iba a ser como él", cuenta.
"Con este disco, Jimi Hendrix lleva la guitarra eléctrica a la consolidación del rock, porque lleva el instrumento a otro nivel, en distorsiones, estridencia y con esa voz tan gentil, produjo un elemento único", agrega Lewin.
The Doors - The Doors
Grabado en 1966, el debut homónimo de los californianos de The Doors salió a luz en enero de 1967, inaugurando el año donde se gestó la revolución musical. Posiciona a Jim Morrison en la escena musical como el cantante, poeta y sex symbol con mayor trascendencia en la cultura pop del siglo pasado.
El disco abre con "Break On Through (To The Other Side)", elegido como el primer single, y tiene otras joyas como "Light My Fire" y "The End".
"Increíble trabajo. Una mezcla que parecía sonar muy simple y básica por los teclados de Ray Manzarek, que marca unos ritmos bastante curiosos y con la poesía de Morrison que te hace pensar que la vida se te va a través del día, como en 'The End'", dice Araneda, productor de radio Futuro. Es un álbum esencial en la carrera de los Doors y un gran aporte a la psicodelia", añade.
"Tiene varias cosas el debut de los Doors", asegura Rodrigo Ulloa. 'The End' es muy larga, de poco más de 11 minutos, y por ese tiempo no era común hacer eso, menos un tema que hablaba de la frustración. Además, ellos exploraron con los formatos, porque sacaron un video promocional de 'Break On Through' cuando nadie sacaba videoclips. La gran explosión de ese disco, en términos comerciales, fue 'Light My Fire', que los puso en órbita", destaca el periodista.
The Velvet Underground & Nico - The Velvet Underground
En marzo de 1967, The Velvet Underground publicó su primer disco que se presentó como un retrato de lo más malo que circulaba por las calles neoyorkinas. Dueños de un sonido oscuro y agrietado, The Velvet Underground & Nico fue todo lo contrario al sueño e ideal hippie, transformando la violencia, drogas y suciedad en las temáticas centrales de su trabajo, que bien graficaron canciones como "Heroin" y "I'm waiting for the man".
Importante fue la presencia de Andy Warhol, creador de la portada del disco —famosa por ser sólo un plátano en medio de un fondo blanco con el nombre de la obra en la parte superior—, pero también por convencer a Lou Reed y John Cale, de incorporar a la modelo alemana Nico como intérprete de algunas composiciones como "Sunday Morning", "All tomorrow parties" y "Femme Fatale".
Alfredo Lewin describe a la banda como una de las precursoras del punk rock, "porque tienen estos elementos garage que los define como proto punk (...) Este disco fue muy poco comercial, pero años más tarde estimuló a muchos músicos que querían ser como ellos".
Para el experto, "Heroin" es una canción "que te invita a una experiencia de droga sin ser una apología a ella, algo que Lou Reed avaló y después desvirtuó. También está 'All Tomorrow Parties', donde Nico brilla y es una canción de una tristeza infinita, pero que está dentro de una belleza casi renacentista".
"En términos discursivos, fue un trabajo transgresor, porque hablaba de droga, prostitución, masoquismo. Entonces, bajo ese punto de vista, fue un disco súper revolucionario. No tiene nada que ver con los otros discos que salieron por esos años", analiza el periodista Rodrigo Ulloa.
"Lobo" Araneda destaca que más que ser una modelo, "Nico fue una musa que aportó desde las artes, era la inspiración para el resto de la banda" y que, pese al sonido más descuidado de sus canciones, el álbum se posicionó como "una expresión más artística que musical".
